A Hollywood, durant l’âge d’or des studios, il n’y eu qu’une femme réalisatrice. Pas deux. Dorothy Arzner, une pionnière à Hollywood de Julia et Clara Kuperberg retrace son parcours et son apport au cinéma mondial. A voir le 12 novembre sur OCS.
Une comédie musicale comme dans les années 50 ? Voilà La la land, le nouveau pari de Damien Chazelle après Whiplash et avec Emma Stone et Ryan Gosling.
C’est une somme, un pavé de près de 1300 pages qui vient combler un manque considérable : celui du rôle qu’ont joué les femmes, les actrices en particulier, durant l’âge d’or hollywoodien. Hollywood – la cité des femmes d’Antoine Sire sort le 26 octobre 2016 en librairie. Cine-Woman a longuement rencontré son auteur au Festival Lumière 2016 à Lyon.
6% des 250 plus gros films américains de 2014 ont été réalisés par des femmes et moins de 20% des films indépendants. Mais il n’en a pas toujours été ainsi comme le montre Et la femme créa Hollywood, le passionnant documentaire de Julia et Clara Kuperberg.
C’est donc avec Cafe Society, le 46e long métrage de Woody Allen que le 69e Festival de Cannes a ouvert ses portes mercredi 12 mai 2016. Un air de déjà vu, agréable certes, précis mais pas un très grand cru.
Hollywood. Sexe. Pouvoir. Le tout emmené par Paul Schrader, Bret Easton Illis et Lindsay Lohan. Ca devrait donc dépoter, briser les conventions, déranger les esprits, sentir le vénéneux et la perversité à mille lieux à la ronde…
Mais non ! Rangez vos illusions. Non pas que « The canyons » soient un modèle d’angélisme, mais c’est un peu comme-ci le vénéneux des années 1980, vu et archi revu depuis, avait vraiment perdu tout son soufre aujourd’hui.
A Hollywood, derrière la baie vitrée d’une magnifique villa des collines, vit un couple, Christian et Tara. Il est producteur, elle est actrice. Il est jaloux, elle ne lui a pas tout dit mais le tient plus ou moins en acceptant ses jeux sexuels assez pervers. Devenu fou quand il découvre qu’elle connaît l‘acteur qu’il vient d’engager, Christian fait n’importe quoi… Sans limites.
Sexe et manipulations, voilà un cocktail qui ne fait plus tellement frémir depuis longtemps. Surtout quand il est filmé avec un tel désir de provoquer que l’effet tombe aussitôt.
On reconnaît volontiers l’attirance de Paul Schrader (American Gigolo, Patty Herast ou encore les scénarios qu’il a écrit : Taxi driver, La dernière tentation du Christ…) pour ses sujets borderline, la perversité décadente de Bret Easton Illis (auteur d’ « American Psycho ») et cette manière de filmer complètement datée, dépassée.
Enfin, en confiant le rôle principal à Lindsay Lohan, pas mauvaise mais tellement abimée par ses excès et par la chirurgie esthétique, les deux auteurs signent une sorte de testament auquel ils ne croient plus eux-mêmes, mais sans savoir quel nouveau chemin ils pourraient emprunter. On a rarement vu un film aussi décadent et décati.
Un seul bon point : le super générique avec des très belles images de vieilles salles de cinéma abandonnées. C’est tout dire…
2013 – Etats-Unis – 1h39
En 1950, Billy Wilder tourne « Boulevard du Crépuscule », sublime film qui ausculte, à travers le destin et les névroses d’une ancienne star du muet, les démons du système hollywoodien. Lui y est arrivé au milieu des années 1930 comme scénariste et talent désormais indésirable en Europe.
Il ne lui a fallu que quelques années pour y percer et en 1950, le cinéma lui doit déjà quelques films incontournables qu’il a soit scénarisés, soit réalisés : « Ninotcha », « Assurance sur la mort », « La valse de l’empereur », « la scandaleuse de Berlin ». Doué d’une intelligence exceptionnelle (tous ses films le prouvent), Billy Wilder n’a eu besoin que de quelques années pour comprendre que les chimères de l’univers dans lequel il évolue et pour se donner les moyens de le critiquer ouvertement mais subtilement.
Il faut croire que le sujet le hante, car en 1978, pour son avant-dernier film, il s’y attaque à nouveau avec la même hargne, la même violence rentrée. « Fedora » traite du même thème que « Boulevard du Crépuscule », mais en négatif. Et la désillusion est encore plus cruelle.
Barry Detweiler, un producteur fauché tente de se refaire en proposant un rôle, l’ultime rôle, à celle qui fut en son temps la star des stars, Fedora. Mais, depuis des années, l’actrice vit retirée de tout et de tous dans une maison isolée et inviolable sur une petite île proche de Corfou. Barry brave les obstacles et les interdits pour tenter de la rencontrer. Il finit par parvenir et ce qu’il y découvre est encore pire que ce qu’il aurait pu imaginer…
Bien moins connu que les autres films de Wilder, Fedora revient donc aujourd’hui en version restaurée. La couleur un peu passée de la fin des années 1970 lui donne un charme suranné. Le réalisateur a aussi un peu perdu le sens du rythme qui donna un tempo formidable à ses comédies. Mais, son propos est tellement puissant, son histoire tellement cruelle que, même si son talent est un peu fatigué, (Wilder le tourne à 72 ans et s’est épuisé à le faire financer – il n’a trouvé de l’argent qu’en Europe, ce qui fait de Fedora son film tardif le plus européen- ), Fedora reste un grand film qui mérite dix fois qu’on s’y attarde. C’est aussi un des grands rôles de Marthe Keller, qui, bien que dissimulée, brille de toute sa beauté dans les scènes dévoilées et soutient presque la comparaison avec Greta Garbo, dont la véritable histoire aurait inspiré ce chant du cygne à Wilder.
1978 – RFA/France – 1h50
Les moins jeunes d’entre vous se souviendront sans doute de cet événement marquant : le 4 novembre 1979, tous les employés de l’Ambassade américaine à Téhéran, en Iran, sont pris en otage par des activistes de la Révolution iranienne alors en cours. Ils resteront détenus pendant 444 jours. Tous ? Non, six d’entre eux réussissent à s’enfuir et à se réfugier à l’Ambassade du Canada.
La CIA, aux Etats-Unis, prend vite conscience que le destin de ces six ressortissants risque d’être tragique si elle ne réussit pas à les évacuer au plus vite. L’opération est toutefois extrêmement délicate, les Etats-Unis étant à juste titre accusés par les Iraniens, de leur avoir imposer la dictature du Shah et d’avoir protéger sa fuite, quand il a été renversé. Ce qu’ils ne leur pardonnent pas. Un spécialiste de l’exfiltration, Tony Mendez, propose alors une opération dingue, baptisée Argo. Tellement dingue qu’elle ne peut exister qu’au cinéma !
On ne reconnaît pas tout de suite Ben Affleck qui, avec une barbe fourni et un look très seventies, joue Tony Mendez. Avouons-le tout de suite, ce nouveau rôle lui va très bien. Son nouveau look donne à cet acteur fade, une épaisseur inédite. Et ce n’est pas la moindre bonne nouvelle de ce film au suspens haletant et bien maitrisé. Inspiré d’une histoire vraie, que l’on a un peu oublié depuis et qui fut longtemps tenue au secret, Argo raconte par le menu la puissance de feu des services secrets américains quand il s’agit de sauver leurs ressortissants. Tout semble possible et l’idée la plus folle peut s’avérer la plus salvatrice ! Mais, pas seulement ! C’est aussi celle qu’une nation toute entière est prête à mettre en œuvre pour sauver ne serait-ce qu’un seul d’entre eux, chacun y contribuant avec son talent et à sa mesure.
Et justement, là où Ben Affleck, le réalisateur cette fois, est subtil, c’est que ce patriotisme latent n’est jamais abordé frontalement, mais toujours sous-entendu. Lui préfère privilégier l’action et le suspens pour nous plonger au cœur de cet enjeu géopolitique. Du coup, on se passionne pour cette histoire loufoque…. Jusqu’à l’ultime scène, totalement superflue, où Ben Affleck ne peut s’empêcher de jouer le père de famille idéal. A part cette maladresse (qu’on en a plus que marre de pardonner !), le film vaut vraiment le détour et hisse Ben Affleck dans la cour des réalisateurs américains à surveiller. De très près.
2012– USA – 1h59
La note Cine-Woman : 3/5
Séance de rattrapage o-bli-ga-toi-re! Non content d’avoir raflé près de 1,5 millions de spectateurs lors de sa première sortie le 11 octobre dernier, d’avoir amassé déjà 20 prix dans les compétitions et festivals du monde entier dont le prix d’interprétation pour Jean Dujardin à Cannes, d’être nominé 10 fois aux prochains Oscar parmi les plus prestigieux, d’avoir propulsé des talents déjà reconnus en France partout dans le monde, The Artist ressort en salle.
Véritable hommage au cinéma hollywoodien de la grande époque, celle du muet puis des comédies musicales, The Artist raconte le destin croisé de deux acteurs. George Valentin est la superstar de son époque. Tout lui sourit. Il est riche, beau, célèbre, adulé et fait la pluie et le beau temps dans les studios. Mais, il perçoit mal quelle révolution va être le cinéma parlant et il va se faire balayer par ce passage à une nouvelle ère. Peppy Miller, elle, est une figurante que sa rencontre avec George Valentin va propulser au sommet.
De facture très classique, calqué tant dans son scénario que dans sa réalisation sur un standard cinématographique de la fin des années 1920, ce nouveau film de Michel Hazanavicius (auteur des deux OSS récents, avec le même Dujardin) séduit par son audace : il fallait être fou pour imaginer un film muet, en noir et blanc aujourd’hui. Par le jeu absolument merveilleux de ses deux acteurs : Jean Dujardin , en passe de devenir un des acteurs français sacré par Hollywood, est formidable tant il est comme toujours expressif et juste, mais Bérénice Bejo lui ravit la vedette avec une facilité déconcertante. C’est elle la vraie surprise du film, elle est mériterait amplement de décrocher la statuette.
Dommage pourtant que l’audace s’arrête là. Tant qu’à faire, on a aurait adoré que le film s’émancipe des codes, qu’il explose les cadres, bref, qu’il innove dans l’hommage. Un peu comme Michel Hazanavicius avait si bien sur le faire dans le premier opus d’OSS 117, Le Caire, nid d’espions ou, sans être purement parodique, il mettait une gifle bien sentie aux super-justiciers et autres espions officiels. N’empêche on lui souhaite toutefois de réussir à rafler le maximum de statuettes.. Ne serait-ce que parce qu’on a hâte de voir ce qu’il nous réserve pour la suite.
2011 – France – 1h40
